Unsere beliebtesten Outdoor-Kunstideen für Kinder, die bei wärmerem Wetter Spaß machen. Diese Kunstaktivitäten sind extra groß, extra chaotisch und perfekt für die Natur.

Aktualisiert Februar 2023

Heute haben wir einige wirklich lustige Outdoor-Kunstideen, die Sie vielleicht mit Ihren Kindern bei schönem Wetter ausprobieren möchten.

Wir machen natürlich viel Kunst drinnen, aber wir bringen unsere kreativen Aktivitäten auch gerne in den Hinterhof. Manchmal nur, weil wir draußen sein wollen, schönes Wetter genießen und wir auch Kunst machen wollen.

Es wird immer nur gemalt oder gezeichnet! Oder so ziemlich jede andere künstlerische Aktivität, die wir normalerweise drinnen machen würden.

Aber einige künstlerische Aktivitäten sind einfach besser für die Natur geeignet, sei es, weil sie die Natur einbeziehen, mehr Platz benötigen, besonders unordentlich sind oder Outdoor-Ausrüstung verwenden.

Deshalb haben wir eine Liste dieser zusätzlichen lustigen und interessanten Kunstaktivitäten im Freien für Kinder zusammengestellt. Probieren Sie noch heute einen aus und fügen Sie einige der anderen zu Ihrer Sommer-Bucket-Liste hinzu. Viele dieser Aktivitäten würden Spaß machen für eine Verabredung zum Spielen, eine Party, eine Kunstgruppe für Kinder oder sogar ein Sommercamp in der Nachbarschaft.

PS: Dieser Beitrag wurde wahnsinnig groß, also haben wir einen separaten Beitrag zu Nature Art for Kids erstellt.

Outdoor-Kunstideen für Kinder

1. Splatter-Malerei

Splatter-Malerei ist ein großer Favorit bei allen Kindern, die wir kennen. Es kann ein wenig chaotisch werden, also ist es die perfekte Kunstaktivität für draußen!

2. Recycelte Spray- und Squeeze-Kunst (auf Hallo, wunderbar)

Wir lieben diese Action-Art-Idee von Hello, Wonderful! Plündern Sie den Papierkorb und holen Sie sich eine Vielzahl von Spritzflaschen oder Behältern, die Sie zusammendrücken können. Füllen Sie sie mit Farbe und schaffen Sie ein abstraktes Meisterwerk!

3. Kollaborative Wandkunst

Dieses Gruppenprojekt kann mehrere Tage dauern, wobei jeden Tag eine andere Farbschicht hinzugefügt wird, um die Oberfläche der Leinwand aufzubauen. Wenn Sie den Platz draußen haben, ist dies ein perfektes Sommerprojekt.

4. Drehen Sie Kunst mit einem Fahrrad (An Babble Dabble Do)

Diese Kunstaktivität von Babble Dabble Do geht noch einen Schritt weiter, indem Sie das Rad eines Fahrrads in Ihre Spin-Leinwand verwandeln!

5. Wasserballonmalerei im Planschbecken

Kombiniere drei Sommerklassiker: Wasserballons, das Kinderbecken und chaotische Kunst! Ihre Kinder werden viel Spaß beim Erstellen der Kunst haben und Sie haben ein cooles abstraktes Stück, das Sie danach aufhängen können.

6. Wasserballons bemalen (auf Meri Kirsche)

Während Sie die Wasserballons herausgeholt haben, probieren Sie diese Prozesskunst-Aktivität von Meri Cherry aus! Es ist einfach, aber so viel Spaß!

7. Malen mit Rädern

Diese Action-Art-Aktivität ist großartig für Kleinkinder (und auch für große Kinder!), um das Malen auf eine neue Art und Weise zu entdecken. Holen Sie sich also etwas Farbe und sehen Sie zu, wie ein Auto, ein Bagger, ein Zug (was auch immer!) bunte Spuren hinterlässt.

8. Luftpolsterfoliendruck

Wir lieben es, dass diese Kunstaktivität Malerei, Druckgrafik UND eine sensorische Aktivität in einem ist! Es ist großartig für Kinder jeden Alters!

9. Sonnendrucke

Erstellen Sie in wenigen einfachen Schritten wunderschöne Sonnenabdrücke mit einem Sonnenabdruck-Set für Kinder. Es ist die perfekte Aktivität für sonnige Sommertage!

10. Sinnesspiel und Kunst mit Rasierschaum

Wir wissen nicht, wie es Ihnen geht, aber Rasierschaum ist eines der gefragtesten Kunstmaterialien in unserem Haus. Aber es kann ein wenig chaotisch werden, also bringen Sie es nach draußen und lassen Sie die Kinder los!

11. Malen Sie Ihr eigenes Spielhaus

Was macht mehr Spaß, als ein eigenes Spielhaus zu bauen? Mit Farbe dekorieren!

12. Abwaschbare Graffiti (An Babble Dabble Do)

Gehsteigkreide ist das perfekte Zeichenmaterial für abwaschbare Graffiti. Sehen Sie sich diesen Beitrag von Babble Dabble Do an, wie Sie Ihre eigene Outdoor-Kunst erstellen können!

13. Spiel mit Oobleck

Oobleck ist ein absolut faszinierendes Material für Kinder zum Anfassen und Spielen. Bereiten Sie draußen eine große Menge für Ihre Kinder zu und lehnen Sie sich dann zurück und lassen Sie sie spielen!

14. Wolkenteig machen

Dies ist ein sensorisches Spielmaterial, das Kinder lieben! Es ist einfach mit nur 2 Zutaten zuzubereiten, kann aber ziemlich chaotisch sein. Der einfachste Weg, das Durcheinander einzudämmen, besteht darin, die Aktivität nach draußen zu verlegen.

15. Blasendruck mit bunten Blasenschlangen

Blasendrucken ist eine ziemlich tolle Action-Art-Aktivität für sich, aber kombiniere es mit super lustigen Blasenschlangen und du kannst es auf eine ganz neue Ebene des Spaßes bringen.

16. Stellen Sie Ihre eigene Kreidefarbe her

Wir lieben es, wenn die Tage wärmer werden und es Spaß macht, unsere Kunst wieder nach draußen zu bringen. Dieses Rezept zur Herstellung von Kreidefarbe ist super einfach und verwendet zu gleichen Teilen Maisstärke und Wasser.

17. Splat-Painting mit einem Hammer oder Löffel

Splat-Painting so einfach und so viel Spaß für Kinder! Bei dieser einfachen Action-Art-Aktivität schlagen Sie mit einem kleinen Hammer oder Löffel auf mit Farbe getränkte Wattebällchen.

18. Splat Überraschungsmalerei mit der darin verborgenen Farbe (auf Ein schlauer Morgen)

Diese lustige Idee aus A Crafty Morning bringt Splat-Painting einen Schritt weiter, indem sie die Farbe unter Wattepads versteckt, für einen Überraschungs-Splat, wenn Sie sie treffen!

19. Machen Sie sprudelnde Tränke

Sensorisches Spielen ist so fesselnd für Kinder jeden Alters, und es ist eine großartige Aktivität, die man draußen mitnehmen kann. Hier erfahren Sie, wie Sie Backpulver, Essig und Glitzer verwenden, um Zaubertränke herzustellen, die sprudeln!

20. Experimente mit Backpulver und Essig

Wir kommen immer wieder auf dieses einfache wissenschaftliche Experiment für Kinder zurück. Eine unterhaltsame Möglichkeit, dies einzurichten, ist eine einfache Farbmischaktivität durch Färben des Essigs. Die Farben vermischen sich und sprudeln, während wir alle glücklich zusehen, wie neue Farben entstehen.

21. Steine ​​bemalen oder geschmolzene Kreidefelsen herstellen (und einige Spiele, um damit zu spielen!)

Wenn Ihre Kinder wie unsere sind, sammeln sie gerne bei jedem Spaziergang Steine. Hier ist eine unterhaltsame Möglichkeit, all diese Steine ​​sinnvoll zu nutzen! Sie können normale Farbe verwenden oder versuchen, mit Buntstiften auf heiße Steine ​​zu „malen“, die schmelzen, wenn sie den erhitzten Stein berühren.

22. Spielen Sie mit Wasserperlen

23. Eisskulpturen

24. Malen mit den Füßen (An Spaß zu Hause mit Kindern)

Und du? Welche Outdoor-Kunstideen möchten Sie ausprobieren?

Weitere Sommer-Kunstaktivitäten für Kinder

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Nachfolgend finden Sie eine einfache Schritt-für-Schritt-Anleitung für ein einfaches Modigliani-Kunstprojekt. Er war berühmt für seine eleganten und länglichen Porträts.

Modigliani-Selbstporträt-Kunstprojekt

Dieses Modigliani-Kunstprojekt fordert die Schüler auf, ein schmales Blatt Papier in vier gleiche Abschnitte zu unterteilen und dann einer Formel zum Zeichnen von Kopf, Hals und Schultern zu folgen. Indem sie die Falten als Leitfaden verwenden, sind sie gezwungen, einen SEHR gestreckten Look für sich selbst zu kreieren, der auch auf ihre Gesichtszüge angewendet werden kann.

Amedeo Modigliani war ein italienisch-jüdischer Maler, der Anfang des 20. Jahrhunderts in Frankreich lebte. Er ist vielleicht am bekanntesten für seine Porträts, die eine surreale Verlängerung von Gesichtern und Hälsen hatten. Die seltsam anmutigen und eindringlichen Gemälde wurden zu ihrer Zeit nicht sehr gut aufgenommen, sind aber mit der Zeit zu hochgelobten (und wertvollen!) Meisterwerken geworden.

Es ist eine unterhaltsame und einfache Möglichkeit, ein sehr kreatives Aussehen zu erzielen, und meiner Erfahrung nach hat es die Schüler immer wirklich befreit. Die Tendenz, „perfekte“ Versionen von sich selbst zeichnen zu wollen, scheint zu verschwinden, wodurch sich eine ganze Reihe von Kreativität und Persönlichkeit einschleichen kann.

TIPP: Verwenden Sie den Beginn des Unterrichts, um die Schüler daran zu erinnern, wie die Gesichtsproportionen regieren normalerweise arbeiten, bevor sie dieses Projekt starten, das sie völlig kaputt macht.

Nehmen Sie unten an „The Daily Draw“ teil, um diesen kostenlosen Download zu erhalten!

Modigliani Malvorlagen

Materialien für ein Modigliani-Selbstporträtprojekt

• Zeichenpapier. Dies ist das gute Zeug, das Sie in großen Mengen zu einem guten Preis kaufen können.
• Bleistifte. Ich mag, wie diese Marke immer schöne dunkle Linien macht.
• Schwarzer Marker. Ein Permanentmarker gibt Ihnen eine dunkle schwarze Farbe.
• Buntstifte. Die größeren Packungen sind schön für mehr Farbauswahl.
• Hinweis: Alle oben genannten Links sind Amazon-Affiliate-Links.

Anleitung für ein Modigliani-Selbstporträt

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Mehr Modigliani-Selbstporträts

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Weitere kunsthistorische Projekte

Organzastoffe gehören zu den beliebtesten Stoffen für Brautkleider. Der Organzastoff ist auch als Georgette und Tüll bekannt. Dieses Material ist in verschiedenen Farben, Designs und Mustern erhältlich. Aus Organzastoff können verschiedene Arten von Kleidern wie Brautkleider und Kleider für Brautjungfern hergestellt werden. Es gibt viele andere Verwendungen dieses Materials wie die Herstellung von Vorhängen oder Tischdecken.

Was ist Organza-Stoff?

Organza ist eine Stoffart, die aus Seide oder Polyester hergestellt wird. Es wird oft in Brautkleidern verwendet, weil es sich leicht und luftig anfühlt, was Ihrem Kleid den Eindruck von Schwerelosigkeit verleihen kann.

Organza wird auch „Organzin“ genannt und ähnelt Voile (eine andere Art von transparentem Stoff). Sowohl Organzine als auch Voile sind transparente Leinwandbindungsstoffe, aber sie unterscheiden sich in ihrer Konstruktion: Organzine hat ein ungleichmäßiges Gewebe, während Voiles durchgehend gleichmäßig gewebt sind.

Die besten Organza-Stoffe für Brautkleider
Organza ist ein transparenter Stoff mit einem weichen Fall, der oft als Überzug für Brautkleider verwendet wird. Es ist leicht, aber es hat genug Fülle, um Ihrem Kleid Struktur und Halt zu geben.

Da Organza so empfindlich ist, kann dieser Stoff leicht durch Reinigungschemikalien oder Bügeleisen beschädigt werden. Wenn Sie Ihr Kleid reinigen müssen, waschen Sie es von Hand in kaltem Wasser mit milder Seife und hängen Sie es sofort nach dem Waschen trocken, lassen Sie es nicht an der Luft trocknen. Wenn Sie Organza bügeln müssen (wir raten davon ab), verwenden Sie nur bei Bedarf niedrige Hitzeeinstellungen mit Dampf; Drücken Sie nicht direkt auf irgendeinen Teil des Kleidungsstücks, da dadurch beide Seiten des Materials gleichzeitig beschädigt werden.

Wie wählt man das beste Material für sein Brautkleid aus?
Die Wahl des richtigen Materials für Ihr Brautkleid ist eine wichtige Entscheidung. Es gibt viele verschiedene Arten von Organza-Stoffen, daher ist es wichtig zu wissen, was sie sind und wie sie sich unterscheiden.

Organza-Stoffe unterscheiden sich in Gewicht, Farbechtheit, Drapierbarkeit und Kosten. Einige Organzas haben einen steiferen Griff als andere; Dies bedeutet, dass sie sich weniger gut an Ihren Körper legen oder fließen, wenn Sie den Gang entlang gehen (wenn Sie etwas zu Schweres wählen). Der beste Weg, um festzustellen, welche Art von Organza-Stoff für Sie geeignet ist, besteht darin, sich Stoffmuster von verschiedenen Herstellern anzusehen. Sie können sehen, wie jeder einzeln getragen und mit anderen Materialien wie Tüll oder Spitze kombiniert aussieht.

Was sind die verschiedenen Arten von Organza-Stoffen?

Organza ist eine Art transparenter Stoff aus Seide oder Polyester. Es wird typischerweise in Brautmode, Hochzeitskleidern und anderen Kleidungsstücken wie Kostümen und Vorhängen verwendet.

Organza-Stoff gibt es in vielen verschiedenen Farbtönen, Texturen und Mustern, sodass Sie etwas finden können, das perfekt zu Ihren Designideen passt.

Wo kann man den besten Hochzeits-Organza-Stoff kaufen?

Es gibt viele Orte, an denen Sie Organzastoffe für Hochzeiten online kaufen können, einschließlich Online-Stoffläden. Diese sind großartig, weil Sie genau das bekommen, was Sie brauchen, und sie sind normalerweise billiger als der Gang in ein lokales Geschäft. Außerdem haben sie alle möglichen verschiedenen Stoffe, die Sie möglicherweise nicht persönlich finden.

Wegbringen:

• Organza-Stoff ist ein transparenter, leichter Stoff, der zur Herstellung von Brautkleidern verwendet wird.
• Organza-Stoff wird für Brautkleider verwendet, weil er leicht und transparent ist, was ihn perfekt für Brautkleider macht.

Abschluss
Wir hoffen, dass dieser Artikel Ihnen geholfen hat zu verstehen, wie wichtig es ist, Hochzeitsorganza-Stoff in Ihrem Hochzeitskleid zu verwenden und wie er verwendet wird. Wir haben uns auch einige Tipps zur Auswahl der für Ihre Bedürfnisse am besten geeigneten Art von Organza angesehen. Wenn Sie Fragen zu etwas haben, was wir oben besprochen haben, schreiben Sie uns bitte.

Wachsen als Tätowierer in Chicago

Chicago ist eine pulsierende Stadt mit eine geschäftige Kunstszene, und die Tattoo-Industrie ist da keine Ausnahme! Tatsächlich gibt es als Tätowierer Möglichkeiten, Ihre Karriere in der Tätowierindustrie von Chicago voranzutreiben! Die Navigation in der Branche kann jedoch überwältigend und herausfordernd sein. Hier sind also einige Tipps, um Ihre Karriere als Tätowierer in Chicago zu verbessern.

Fokus auf Kundenservice

Sehen Sie, in Chicago ist ein exzellenter Kundenservice für Tätowierer von entscheidender Bedeutung! Denken Sie daran, dass Sie einen treuen Kundenstamm aufbauen möchten! Ein Tätowierer, der ein positives Kundenerlebnis bietet, kann Stammkunden und positive Bewertungen anziehen! Das kann helfen machen ihren Ruf zu stärken und neue Kunden in der umkämpften Tattoo-Industrie in Chicago anzuziehen. Zusätzlich, Die Schaffung einer einladenden und komfortablen Atmosphäre im Studio kann dazu beitragen, dass sich die Kunden während des Tätowiervorgangs wohl fühlen! Anschließend kann dies führen zu besserer Kommunikation und einem erfolgreicheren Ausgang im Trubel Kunst Szene von Chicago.

Tätowierer in Chicago sollten sich nicht nur eine einladende Atmosphäre schaffen, sondern sich auch die Zeit nehmen, ihnen zuzuhören Kunden braucht! Das Verständnis der Vision und Ziele eines Kunden für sein Tattoo kann dem Künstler helfen, ein Design zu erstellen, das seinen Erwartungen entspricht. Auch das Design sollte zu den Stilvorlieben in Chicago passen. Darüber hinaus kann eine klare und transparente Kommunikation über den Tätowierprozess, einschließlich Anweisungen zur Nachsorge, dazu beitragen, dass der Kunde zufrieden ist. Daher wird dies ihre Tattoo-Erfahrung unterstützen und den Ruf des Künstlers in Chicago verbessern!

Durch die Konzentration auf den Kundenservice in Chicago können Tätowierer auch Vertrauen zu ihren Kunden aufbauen. Dies ist in jeder Beziehung zwischen Kunde und Künstler unerlässlich und kann zu einem erfolgreicheren Ergebnis führen. Darüber hinaus werden Kunden, die sich bei ihrem Tätowierer wohl und sicher fühlen, ihn eher an Freunde und Familie weiterempfehlen! In der Folge kann dies zu einer breiteren Kundenbasis und mehr Geschäften für den Künstler in Chicagos geschäftiger Tattoo-Industrie führen. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Kundenservice ein kritischer Aspekt der Tätowierbranche in Chicago ist, der von aufstrebenden Tätowierern beachtet werden sollte, die eine erfolgreiche Karriere aufbauen wollen!

Bleiben Sie über Branchentrends und -techniken auf dem Laufenden

Mit den neuesten Tattoo-Trends und -Techniken auf dem Laufenden zu bleiben, ist für Tätowierer in Chicago, die wettbewerbsfähig bleiben wollen, unerlässlich. Die Tattoo-Industrie entwickelt sich ständig weiter und es entstehen neue Trends und Methoden. Infolgedessen müssen Tattoo-Künstler in Chicago informiert und auf dem Laufenden bleiben, um ihren Kunden die neuesten und innovativsten Tattoo-Designs anbieten zu können.

Eine der besten Möglichkeiten für Tattoo-Künstler in Chicago, mit Techniken auf dem Laufenden zu bleiben, ist die Teilnahme an Tattoo-Kongressen, Konferenzen und Workshops. Diese Veranstaltungen bieten Künstlern eine hervorragende Gelegenheit, sich mit anderen Fachleuten zu vernetzen, neue Techniken zu erlernen und sich für neue Designs inspirieren zu lassen. Durch die Teilnahme an diesen Veranstaltungen können Tattoo-Künstler in Chicago an der Spitze der Branche bleiben und ihren Kunden die neuesten und innovativsten Tattoo-Designs bieten.

Eine weitere Möglichkeit für Tattoo-Künstler in Chicago, sich über Trends auf dem Laufenden zu halten, besteht darin, Branchenführern auf Social-Media-Plattformen wie Instagram und YouTube zu folgen. Viele erfolgreiche Tattoo-Künstler teilen regelmäßig ihre Arbeit und Techniken auf diesen Plattformen und liefern wertvolle Einblicke und Inspiration für andere Künstler. Indem sie diesen Branchenführern folgen, können Tätowierer in Chicago über die neuesten Trends informiert bleiben und sie in ihre Arbeit einbeziehen, um einzigartige und innovative Designs für ihre Kunden zu kreieren.

Einige Veranstaltungen, an denen Tätowierer in Chicago teilnehmen können, umfassen die Chicago Tattoo Arts Convention, die Windy City Tattoo Show und das Chicago Tattoo Arts Open House. Diese Veranstaltungen bieten in der Regel eine Vielzahl von Workshops, Seminaren und Podiumsdiskussionen zu den neuesten Branchentrends und -techniken sowie Gelegenheiten für Tätowierer, ihre Arbeit zu präsentieren und sich mit anderen Fachleuten der Branche zu vernetzen. Darüber hinaus nehmen viele Tätowierer in Chicago an nationalen und internationalen Veranstaltungen wie der London Tattoo Convention und der International Tattoo Convention in Berlin teil, um sich mit einem breiteren Spektrum an Techniken und Stilen vertraut zu machen.

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Nutzen Sie soziale Medien

Soziale Medien sind zu einem integralen Bestandteil des Marketings und der Förderung von Unternehmen im digitalen Zeitalter geworden. Tätowierer in Chicago können die Macht der sozialen Medien nutzen, um ihre Karriere zu verbessern und einem breiteren Publikum bekannt zu werden. Über Social-Media-Plattformen wie Instagram, Facebook und TikTok können Tätowierer ihre Arbeit präsentieren, mit potenziellen Kunden in Kontakt treten und eine treue Fangemeinde aufbauen.

Eine der besten Möglichkeiten für Tätowierer in Chicago, soziale Medien zu nutzen, ist die Erstellung eines professionellen und visuell ansprechenden Profils. Dazu gehört das Teilen hochwertiger Fotos und Videos ihrer Arbeit, das Hervorheben ihres einzigartigen Stils und ihrer Fähigkeiten und das Bereitstellen von Informationen über den Standort, die Dienstleistungen und die Preise ihres Studios. Darüber hinaus können Tattoo-Künstler auch soziale Medien nutzen, um Einblicke hinter die Kulissen ihrer Arbeit und ihres Studiolebens zu geben, ihren Followern eine persönlichere Verbindung zu geben und ihre Marke in Chicagos wettbewerbsintensiver Tattoo-Industrie aufzubauen.

Eine andere Möglichkeit, wie Tätowierer in Chicago soziale Medien nutzen können, besteht darin, mit ihren Anhängern und potenziellen Kunden in Kontakt zu treten. Dazu gehört die zeitnahe und professionelle Beantwortung von Kommentaren und Nachrichten, die Teilnahme an Online-Diskussionen und Herausforderungen sowie der Austausch wertvoller Informationen über den Tätowierprozess und die Nachsorge. Durch den Aufbau einer positiven und ansprechenden Social-Media-Präsenz können Tattoo-Künstler ihre Karriere in der Tattoo-Industrie von Chicago verbessern.

5 wichtige Möglichkeiten zur Implementierung von Social Media, um die Karriere eines Tätowierers in Chicago zu verbessern:

Präsentieren Sie Ihre Arbeit:

Nutzen Sie Social-Media-Plattformen wie Instagram, Facebook und TikTok, um qualitativ hochwertige Fotos und Videos Ihrer besten Arbeiten zu teilen. Heben Sie Ihren einzigartigen Stil und Ihre Techniken hervor, um neue Kunden zu gewinnen!! und bauen Sie Ihren Ruf als erfahrener und kreativer Tätowierer in Chicago auf.

Interagiere mit deinen Followern:

Reagieren Sie zeitnah und professionell auf Kommentare und Nachrichten. Beteiligen Sie sich an Online-Diskussionen und Herausforderungen. Teilen Sie wertvolle Informationen über den Tätowierprozess und die Nachsorge, um Vertrauen bei Ihren Followern aufzubauen und neue Kunden für Ihr Studio zu gewinnen.

Zusammenarbeit mit anderen Künstlern:

Die Zusammenarbeit mit anderen Tätowierern in Chicago kann Ihnen helfen, neue Zielgruppen zu erreichen und Ihr Netzwerk zu erweitern. In Betracht ziehen

Zusammenarbeit mit anderen Künstlern bei Social-Media-Kampagnen, Hosten gemeinsamer Veranstaltungen oder Präsentieren der Arbeit des anderen in Ihren Profilen.

Bezahlte Werbung nutzen:

Social-Media-Plattformen bieten verschiedene kostenpflichtige Werbeoptionen, mit denen Sie ein breiteres Publikum erreichen können. Dies kann Ihnen helfen, Ihre Dienstleistungen bei potenziellen Kunden in Chicago zu bewerben. Erwägen Sie außerdem, in gezielte Werbekampagnen zu investieren, um bestimmte demografische Merkmale zu erhalten. Außerdem wird es Ihnen helfen, Ihre Marke zu fördern und Ihre Karriere in der Tattoo-Industrie von Chicago voranzutreiben.

Bleiben Sie konsequent:

Konsistenz ist entscheidend für den Aufbau einer erfolgreichen Social-Media-Präsenz. Stellen Sie sicher, dass Sie regelmäßig und konsistent auf Ihren Social-Media-Plattformen posten. Behalten Sie auch ein professionelles und zusammenhängendes Markenimage in all Ihren Profilen bei. Indem Sie konsequent bleiben, können Sie eine treue Anhängerschaft aufbauen. Anschließend etablieren Sie sich als angesehener und erfolgreicher Tätowierer in Chicago.

Erfahren Sie mehr über den Beruf auf unserer Website oder lesen Sie, wie es geht Karriere wechseln und Tätowierer werden!

Suche dir einen Ausbildungsplatz.

Die Suche nach der richtigen Lehrstelle ist entscheidend für angehende Tätowierer, die ihre Karriere in der Tätowierindustrie von Chicago verbessern möchten. Eine Ausbildung bei einem erfahrenen und erfahrenen Tätowierer kann wertvolle praktische Schulungen und Anleitungen bieten. Dies ermöglicht es dem Auszubildenden, das Tätowieren in einer sicheren und unterstützenden Umgebung zu lernen.

Darüber hinaus kann die Anleitung eines erfolgreichen Tätowierers aufstrebenden Künstlern wertvolle Einblicke geben! Anschließend können Sie Ratschläge erhalten, wie Sie eine erfolgreiche Karriere in Chicagos wettbewerbsintensiver Tattoo-Industrie aufbauen können.

Bei Ink Different wissen wir, wie wichtig es ist, die richtige Lehrstelle in Chicago zu finden. Deshalbbieten wir ein umfassendes Ausbildungsprogramm für angehende Tätowierer an. Unser Ausbildungsprogramm soll aufstrebenden Künstlern die Fähigkeiten, das Wissen und die Erfahrung vermitteln, um in der Branche erfolgreich zu sein. Dazu gehören praktisches Training, Anleitung und Unterstützung durch erfahrene Tätowierer.

Zusätzlich zu unserem Ausbildungsprogramm bietet Ink Different ein garantiertes Jobangebot für Tätowierer in Chicago, die ihre Ausbildung bei uns erfolgreich abschließen. Mit unserem Ausbildungsprogramm möchte Ink Different aufstrebenden und etablierten Tätowierern dabei helfen, ihre Karriere in der Tätowierindustrie von Chicago voranzutreiben. Wir möchten, dass sie ihre Ziele in der dynamischen und wettbewerbsorientierten Tattoo-Branche erreichen, denn das ist Teil unserer Mission!

Das Malen einer Originalkopie kann eine hervorragende Möglichkeit sein, Ihre Malpraxis zu erweitern. Cristina Vercesi von den London Fine Art Studios teilt ihre Erfahrungen mit der Malerei in der Galleria Ricci Oddi in Piacenza, Italien, mit Informationen zur Einholung einer Genehmigung bei der Galerie, zur Auswahl von Materialien und einer Farbpalette sowie zu den Lektionen, die sie dabei gelernt hat.

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Cristina Vercesi teilt ihre Erfahrung beim Malen einer Masterkopie

Als klassisch ausgebildete Künstlerin und Teilzeitlehrerin in den London Fine Art Studios arbeite ich derzeit an einem Projekt für eine kommende Ausstellung, bei der es darum geht, tiefer in meine italienischen Wurzeln einzutauchen und mich gleichzeitig als Künstlerin weiterzuentwickeln.

Diese beiden Perspektiven brachten mich dazu, darüber nachzudenken, eine Meisterkopie eines Gemäldes von Antonio Mancini fertigzustellen. Seine eklektische Verwendung von Texturen und sein exzentrischer malerischer Ansatz boten etwas Besonderes, von dem ich lernen konnte. In der Vergangenheit habe ich versucht, seine Malerei anhand von Fotos zu studieren, aber ich hatte das Gefühl, dass ich das intensive natürliche Gefühl verpasst habe, das seine Bilder erzeugen, wenn man sie persönlich sieht.

Ich beschloss, zu versuchen, einen meiner lang gehegten Träume zu erfüllen: mich auf diese schöne Masterkopie-Reise zu begeben. Da ich in der schönen Stadt Piacenza aufgewachsen bin und den größten Teil meiner Schulzeit verbracht habe, wusste ich von der Galleria Ricci Oddi, das eine spektakuläre Auswahl italienischer Kunstwerke aus der Mitte des 18. bis frühen 20. Jahrhunderts bietet. Einer der Räume beherbergt neun Gemälde von Antonio Mancini. Im September 2022 kontaktierte ich die Galeriedirektorin, Frau Pini, um meine Idee einer Copia d’artista oder einer Originalkopie des Gemäldes vorzuschlagen La Servette. Es war nicht einfach, zwischen all den fantastischen Bildern von Mancini zu wählen, die die Galerie anbietet, also wählte ich das aus, von dem ich glaubte, dass es die größte strukturelle Vielfalt hat.

Bewerbung um eine Masterkopie in der Galleria Ricci Oddi zu malen

Damit meine Idee berücksichtigt werden konnte, musste ich meinen Lebenslauf, ein Empfehlungsschreiben der London Fine Art Studios, zusammen mit meinem Plan für das Projekt einreichen. In meinem Vorschlagsplan habe ich angegeben, welches Gemälde ich kopieren möchte, wann ich verfügbar war, das gewählte Medium und die Größe meiner Leinwand. Um voranzukommen, musste mein Projekt vom Board of Governors der Galerie genehmigt werden.

Im Januar 2023 kam endlich die lang erwartete E-Mail mit der Genehmigung der Galerie. Jetzt musste ich über die praktische Seite meines Projekts nachdenken; Ich habe meinen Flug und meine Unterkunft in Piacenza gebucht. Bis auf die in Italien gekauften Keilrahmen und Lösungsmittel habe ich alles aus England mitgenommen. Meine Originalkopie wurde vom 25. März bis 3. April gemalt, obwohl ich nicht jeden Tag gemalt habe, da ich mich an die Öffnungszeiten der Galerie halten musste.

Sollten Sie daran interessiert sein, eine Masterkopie anzufertigen, empfehle ich Ihnen, sich Galerien und Museen anzusehen, die Gemälde beherbergen, die Sie interessieren, und sich mit ihnen in Verbindung zu setzen. Einige Galerien haben möglicherweise eine lange Warteliste oder durchlaufen ein Auswahlverfahren, aber bitte lassen Sie sich nicht entmutigen. So ging es mir manchmal, als ich meine Bewerbung durchging. Es ist jedoch eine einzigartige Erfahrung, die Sie mit endlosen Inspirationen und Ideen beschenkt und die Sie mit erworbenem Wissen verlassen werden.

Auswahl von Materialien und Farbpalette

Die Vorbereitung für die Masterkopie war einfacher, als ich es mir ursprünglich vorgestellt hatte. Das Originalgemälde misst 100 x 60 cm (40 x 26 Zoll). Ich entschied mich für die Lebensgröße, da es schwierig gewesen wäre, Mancinis einzigartigen malerischen Ansatz in einem kleineren Maßstab zu studieren. Meine Farbe und Leinwand wurden von Jackson’s Art Supplies gekauft. Für meine Oberfläche habe ich mich für Belle Arti Universal Primed Jute Nr. 565, 584 g/m² entschieden, was ich sehr empfehlen kann, wenn Sie versuchen, strukturierter zu sein. Ich rollte meine Sackleinen für den Transport in ein stabiles Rohr; Den Dauertest hat er mit voller Punktzahl bestanden. Es blättert oder reißt nicht, es ist eine robuste Oberfläche. Belle Arti Universal Primed Jute Nr. 565, 584 g/m² wird nun ein neuer Malbegleiter für mich. Es zwingt den Künstler, mutiger zu sein, mehr Farbe zu verwenden, und im Gegenzug ist es ein zuverlässiger Malgrund.

Für meine Palette wähle ich hauptsächlich erdige Farben von Michael Harding Ölfarben: Ivory Black, Raw Umber, Burnt Sienna, Transparent Oxid Red, Permanent Sap Green, Alizarin Crimson, Scarlet Lake, Cadmium Red Light, Transparent Oxid Yellow, Cadmium Yellow und Titanium Weiß Nr. 2.

Während ich mit meiner Farbe auf Reisen kein Problem hatte – Sie können Reisebescheinigung herunterladen von der Website von Michael Harding – bitte denken Sie daran, Ihre Farbe in Ihrem aufgegebenen Gepäck aufzubewahren. Darüber hinaus habe ich Leinöl und Liquin verwendet, um die Trocknungszeit zu beschleunigen.

Die New Wave Expressionist Confidant Wood Palette erwies sich als unschätzbar wertvoll, da sie es mir ermöglichte, mit einer großen Menge Farbe frei zu malen. Es ist auch so leicht, dass ich sein Gewicht nicht einmal bemerkt habe.

Die Galerie stellte mir eine hölzerne Staffelei zur Verfügung. Am Ende jeder Sitzung stellte ich sicher, dass mein Arbeitsbereich in ausgezeichnetem Zustand hinterlassen wurde.

Malerei in der Galerie

Ich habe ein paar Miniaturskizzen dieses Gemäldes angefertigt, um eine Vorstellung von der Komposition und den wichtigsten Wertformen zu bekommen. Ich habe keine Farbstudien durchgeführt, da ich das Gefühl hatte, dass seine Palette ziemlich begrenzt und nicht zu kompliziert war.

Mein Hauptziel war nicht, eine identische Version des Gemäldes zu produzieren, sondern Mancinis Denkprozess bei der Herstellung des Gemäldes zu verstehen. Ich habe ungefähr 25 Stunden gebraucht, um das Bild fertigzustellen, aber ich bin überzeugt, dass Mancini mindestens die Hälfte dieser Zeit benötigt hat. Seine Idee scheint ein höchst intuitives und natürliches Werk zu sein; sein verständnis für wertigkeit, chroma, komposition und anatomie ist ihm in zweiter natur, daher bin ich mir sicher, dass er über gewisse aspekte nicht einmal tiefgehend nachdenken müsste.

Ich habe mit einem Basic angefangen Imprimatur (eine dünne Schicht aus transparentem Pigment auf der Leinwand) der zentralen Figur, wobei die Dicke der Schichten im Laufe der Woche langsam erhöht wird. Ich habe die Bereiche des Gesichts ziemlich dünn gehalten, wie es in Mancinis Version erscheint. Alles andere war ziemlich strukturiert und dick. Ich habe hauptsächlich große Filbert- und Round Hog Brushes mit wenigen Ausnahmen für einen Round Hog Brush der Größe 2 verwendet, der für Details wie die Akzente in den Augen und im Ring verwendet wurde.

An einem Punkt habe ich so viel Farbe verwendet, um die Textur der Teekanne und der Blumen zu beschreiben, dass ich mich wie ein Bildhauer fühlte. Schließlich hat Mancini viele Jahre mit seinem Kollegen Vincenzo Gemito, einem bekannten Bildhauer, zusammengearbeitet, daher frage ich mich, ob seine Freundschaft auch zu der phänomenalen Textursprache beigetragen hat, die wir in seinen Gemälden sehen.

Beobachtungen durch das Kopieren des Meistergemäldes

Je länger ich an dem Gemälde arbeitete, desto mehr entdeckte ich die subtilsten Pinselstriche auf dem Originalgemälde, als ob Mancini sie absichtlich für den feinen Betrachter geschaffen hätte, wie ein Geschenk, das nur denen gegeben wird, die bereit sind, seine Arbeit visuell aufzunehmen. Zum Beispiel entdeckte ich nach ein paar Tagen Arbeit daran, dass Mancini der Schürze ein Stickelement hinzufügte; Mir ist auch aufgefallen, dass er gegen Ende des Gemäldes die Form der Schulter verzerrt hat, indem er den Bereich mit dem Hintergrund bedeckte. Auf diese Weise betonte er die Bedeutung der Zickzacklinie im Körper, fügte ein Gefühl von Dynamik hinzu und ergänzte sie mit den gerichteten Linien der Vorhänge in der oberen rechten Ecke.

Eine meiner größten Herausforderungen war es, zu lernen, wie man mit den endlosen verschiedenen Texturen und Techniken jongliert. Von dem dünnen Farbschleier, der die Wangen des Motivs kaum mit einem schüchternen Rot färbt, bis hin zu den riesigen pastosen Klecksen, die aussehen, als wären sie mit einem Spachtel auf die Oberfläche gehauen worden, wobei die Farbe direkt aus der Tube auf die Leinwand gedrückt und gemischt wurde mit gedeckten Farben. Das Adjektiv malerisch ist unangemessen, um zu beschreiben, wie Mancini an Stellen, die es ihm ermöglichten, ein Werk mit der sublimsten Modellierung und Mischung zu schaffen, die Leinwand aufhäufte, schaufelte, kellete und zurückkratzte.

Abgesehen davon, dass ich am Extrem der Texturskala gearbeitet habe, hat mich das Kopieren von Mancini dazu gebracht, meine Angst vor Perfektion fallen zu lassen, was genau das ist, was ich zu erreichen hoffte, um mich künstlerisch weiterzuentwickeln.

Mich hat eine Erklärung gefesselt, die ich in „Art and Fear“ von David Byles gefunden habe:

„Die Lektionen, die Sie lernen sollen, liegen in Ihrer Arbeit. Um sie zu sehen, muss man die Arbeit nur klar betrachten – ohne Urteil, ohne Not oder Angst, ohne Wünsche oder Hoffnungen, ohne emotionale Erwartungen. Fragen Sie Ihre Arbeit, was sie braucht, nicht was Sie brauchen. Dann legen Sie Ihre Ängste beiseite und hören Sie zu, wie gute Eltern einem Kind zuhören.“

In der Tat hat mich diese Erfahrung in Bezug auf meinen Ansatz abenteuerlustiger gemacht und mich inspiriert. Ich bin allen sehr dankbar, die mir geholfen haben, dies zu erreichen, von den London Fine Art Studios bis zur Galleria Ricci Oddi und dem großen Meister Mancini selbst, für die schöne Lektion, die ich von ihm gelernt habe.

Über Cristina Vercesi

Cristina ist eine klassisch ausgebildete Künstlerin, die derzeit in Großbritannien lebt und arbeitet. Sie nimmt Aufträge für Porträts und Stillleben an und arbeitet, wann immer möglich, hauptsächlich nach dem Leben, da sie glaubt, dass nur das Auge des Künstlers subtile visuelle Informationen und vitale Energien erfassen kann, die eine Kamera nicht sehen kann.

Cristina wuchs in Italien auf, wo sie schon in jungen Jahren begann, ihre Wertschätzung für Kunst zu fördern. Eine ihrer ersten Kindheitserinnerungen war ein Besuch der Uffizien in Florenz, der eine lang anhaltende Leidenschaft für Kunst entfachte. 2017 beschloss Cristina, sich den London Fine Art Studios in London anzuschließen, wo sie ein tieferes Verständnis der figurativen Kunst entwickelte und wo sie nun Teilzeit unterrichtet. 2021 wurde ihr das De-Laszlo-Stipendium verliehen.

Sie ist immer auf der Suche nach verschiedenen Wegen, um ihrer Kunst eine natürliche Entwicklung zu ermöglichen. Cristina ist eine begeisterte Sammlerin von Kunstbüchern und immer auf der Suche nach mehr Informationen, nicht nur über die berühmtesten Künstler, sondern insbesondere über diejenigen, deren unglaubliche Werke und Leben in Vergessenheit geraten sind.

Cristina ist inspiriert von Verismus und Scapigliatura, die sich Ende des 19. Jahrhunderts in Italien entwickelten. Cristina wird vom 4. bis 14. Mai 2023 an der Jahresausstellung der Royal Society of Portrait Painters teilnehmen

Andersland ist eine Gruppenausstellung mit Arbeiten von Cristina in der Green & Stone Gallery, London, vom 11. – 17. September 2023. Die Ausstellung wird sich mit den unterschiedlichen kulturellen Hintergründen der Künstler beschäftigen.

Weiterführende Lektüre

Ein Leitfaden für die Ölmalerei

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Zwei Künstler testen Jacksons Premium-Leinwand

 

Die Natur kann es im Kern revitalisieren und verjüngen. Es hat die Kraft dazu senkt den Stresspegel und verbessert die Stimmung. Diese Vorstellungen sind Grund genug für Kunstlehrer, die Schüler dazu zu bringen, draußen zu schaffen, die Natur zu nutzen, um Kunst zu machen, oder die Natur zum Thema eines Meisterwerks zu machen. Das Unterrichten einer klassischen Landschaftsstunde oder eines Umweltkunstprojekts macht Spaß und regt zum Nachdenken an, aber mal sehen, wie wir der Natur im Kunstunterricht eine Wendung geben können.

Schauen wir uns zunächst einige Fragen an, die Sie berücksichtigen sollten, bevor Sie mit einer Naturstunde beginnen.

• Überlegen Sie, wie die Natur genutzt wird.
  Möchten Sie, dass Schüler Kunst über, mit oder in der Natur machen?
• Denken Sie an das übergeordnete Ziel.
  Ist dies eine sensorische Kunsterfahrung, Erforschung, Kunstgeschichtsstunde, philosophische Reflexion, Beobachtungsstunde oder Wissenschaftsinfusion?
• Planen Sie die Ausführung.
  Haben Sie alle Lektionsschritte behoben?
  Müssen die Schüler nach draußen gehen?
  Wenn ja, was ist Ihr Backup-Plan für schlechtes Wetter?
  Haben Sie eine behördliche Genehmigung, um im Freien Unterricht zu nehmen?
  Wie können Sie sicherstellen, dass der Unterricht für alle Schüler zugänglich ist?
  Werden die Schüler sammeln, beobachten, Notizen machen oder zeichnen?
• Kennen Sie die Vorräte, die Sie benötigen.
  Weißt du, welche Materialien du hast und benötigst, um diese Lektion durchzuführen?
  Haben Sie grundlegende Dinge wie Papierhandtücher, Ersatzbleistifte und einen Anspitzer dabei, um den Weg zurück ins Klassenzimmer zu vermeiden?
  Ist alles an einem zugänglichen Ort und für einen einfachen Transport nach draußen verpackt?

Nachdem Sie nun einige Überlegungen angestellt haben, schauen wir uns drei Möglichkeiten an, wie Sie die Natur in Ihren Kunstlehrplan integrieren können.

1. Unterricht im Freien

Schüler nach draußen zu bringen, ist eine lustige Erfahrung. Es lässt sie wissen, dass Kunst nicht auf die vier Wände des Klassenzimmers beschränkt ist. Der Künstler der Hudson River School sind ein Beweis für diese Art von künstlerischer Erfahrung. Probieren Sie das Skizzieren im Freien für etwas Schnelles und Frisches aus. Lassen Sie Schüler jeden Alters Papierdrachen basteln, gehen Sie dann nach draußen und lassen Sie sie steigen! In diesen beiden Artikeln (1, 2) finden Sie weitere Ideen und Verbindungen für Outdoor-Unterricht!

2. Natur als Medien

Die Nutzung der Natur kann für Schüler eine unterhaltsame und explorative Art sein, etwas zu erschaffen. Es kann dem künstlerischen Schaffensprozess Bedeutung und Neuheit verleihen, wodurch a bleibenden Eindruck im Gedächtnis eines Lernenden. Es bietet auch eine neue taktile Erfahrung und erweitert das Verständnis der Schüler, was Kunst beinhalten kann.

Hier sind einige Möglichkeiten, die Natur als Medium zu nutzen:

3. Natur als Subjekt

Seit Jahrhunderten beschäftigen sich Künstler mit der Natur als Thema. Traditionelle Kunstwerke können Landschaftsmalereien, perspektivische Zeichnungen und Stillleben umfassen.

Um die Dinge frisch und spannend zu halten, sind hier einige Unterrichtsideen, die die Natur als Thema auf etwas andere Weise verwenden:

• Biomimikry
  Dies ist ein aufstrebendes Wissenschaftsgebiet, das die Natur nutzt, um nachhaltiges Design zu inspirieren. Die Schüler erfinden etwas und skizzieren einen technischen Prototypen.
• Architektonische Zeichnungen
  Studieren Sie den Architekten Frank Lloyd Wright und eines seiner Meisterwerke, Fallendes Wasser. Diskutieren Sie, wie er Strukturen entwirft, die durch Form und Materialeinsatz in ihre spezifische Landschaft passen.
• Natur-Abstraktions-Gemälde
  Die Schüler beobachten ein natürliches Objekt wie ein Blatt, einen Stein oder einen Tannenzapfen. Skizzieren Sie einige schnelle Studien, um Ihre Beobachtungsgabe zu demonstrieren. Dann abstrahieren Sie das ausgewählte Objekt auf irgendeine Weise, sobald Sie wieder im Klassenzimmer sind.
• Beenden Sie das Kunstwerk
  Die Schüler finden Bilder von Elementen, die sie draußen finden würden. Die Schüler schneiden beispielsweise Bilder von Gras, Bäumen, Wolken, Blumen, Tieren usw. aus. Collagen Sie die Elemente zu einer neuen, originellen Szene. Füllen Sie alle Lücken mit Zeichnung oder Malerei.

Die Natur in den Kunstunterricht zu bringen, bedeutet nicht immer, an traditionellen Wegen festzuhalten. Es ist akzeptabel und spannend, Schüler ausgetretene Pfade zu verlassen oder sogar außerhalb ihrer Komfortzone zu schaffen. Für manche mag das bedeuten, draußen Kunst zu machen. Für andere kann dies bedeuten, Gegenstände aus der Natur zu sammeln, um sie in ihrer Kunst zu verwenden.

Schauen Sie sich an, was Sie bisher im Schuljahr erstellt haben: Themen, Medienauswahl, Erstellungsmethoden und mehr. Überlegen Sie, wie Sie eine Naturkomponente für die Schüler des nächsten Jahres hinzufügen können. Oder wählen Sie ein beliebtes Projekt aus und machen Sie einen „Teil 2“ mit einem Twist in der Natur! Wofür Sie sich auch entscheiden, denken Sie daran, dass selbst die kleinste Berührung der Natur in Ihrer nächsten Unterrichtsstunde einen großen Unterschied machen kann!

Was sind einige Ihrer Lieblingsmethoden, um die Natur in Ihren Lehrplan zu integrieren?

Unterrichten Sie lieber draußen, beziehen Sie die Natur als Medium mit ein oder verwenden Sie sie als Thema?

 

1. Digitale Kunstdrucke online verkaufen. Sie können dies über Websites wie Society6, Redbubble, Etsy und Fine Art America tun.

Der Verkauf Ihrer Kunst über Online-Plattformen wie Society6 gibt Ihnen die Möglichkeit, Ihre Arbeit mit geringen bis keinen Vorabkosten zu verkaufen und zu bewerben. Dies ist hilfreich für einen Künstler, der gerade erst anfängt. Wenn Sie nicht viel Geld haben, um in Werbung zu investieren, können Online-Plattformen wie Redbubble helfen.

Nachfolgend finden Sie eine Liste einiger der besten Online-Plattformen, um Ihre Kunstwerke zu bewerben und zu verkaufen. Auf den meisten dieser Websites können Sie Ihre Kunst auf Drucken und Produkten verkaufen.

Society6 ist eine Online-Plattform, die es Künstlern ermöglicht, ihre Kunstwerke auszustellen, zu bewerben und zu verkaufen. Es bietet auch eine Vielzahl von Produkten wie Drucke, Handyhüllen, Tragetaschen und mehr. Society6 macht es Künstlern leicht, ein größeres Publikum zu erreichen und Anerkennung für ihre Arbeit zu erhalten.

Eine weitere großartige Plattform für Künstler ist Redbubble. Redbubble ist ein Online-Marktplatz für Künstler und Designer, auf dem sie ihre Kunstwerke auf einer Vielzahl von Produkten wie T-Shirts, Handyhüllen, Aufklebern, Tassen und mehr verkaufen können. Es ist eine großartige Möglichkeit für kreative Menschen, ihre Arbeit zu teilen und damit Geld zu verdienen. Redbubble bietet auch eine Plattform für Kunden, um einzigartige, einzigartige Kunstwerke zu entdecken und zu kaufen.

Wenn Sie nach etwas außerhalb von Redbubble und Society6 suchen, sehen Sie sich Fine Art America an. Fine Art America ist eine Online-Kunstgalerie und ein Unternehmen für Print-on-Demand-Technologie, das Künstler und Fotografen mit Kunstkäufern verbindet. Es bietet eine große Auswahl an Kunstprodukten wie Leinwanddrucke, gerahmte Drucke, Metalldrucke, Acryldrucke und mehr. Es bietet auch eine Vielzahl von Dienstleistungen an, um Künstlern und Fotografen dabei zu helfen, ihre Kunstwerke zu vermarkten, zu teilen und zu verkaufen.

Einer der beliebtesten Online-Marktplätze für Kleinunternehmer ist Etsy. Etsy ist ein Online-Marktplatz, auf dem Sie handgefertigte Artikel, Vintage-Artikel und Bastelbedarf kaufen und verkaufen können. Es ist eine großartige Plattform für Handwerker und Handwerker, um ihre Arbeit zu präsentieren und ihren Lebensunterhalt mit dem Verkauf ihrer Kreationen zu verdienen. Etsy bietet auch eine Vielzahl von Diensten an, um Verkäufern zum Erfolg zu verhelfen, wie z. B. Werbetools, Zahlungsabwicklung, Versanddienste und Kundensupport. Mit einer großen Auswahl an einzigartigen Artikeln zum Verkauf ist Etsy ein großartiger Ort, um einzigartige und einzigartige Geschenke zu finden oder Zubehör für Ihre eigenen kreativen Projekte zu finden.

2. Entwickeln Sie ein Online-Portfolio und bewerben Sie sich auf Social-Media-Plattformen wie Instagram und Twitter.

Soziale Medien sind eine unglaubliche Möglichkeit, Ihre Kunstwerke online zu bewerben. Plattformen wie Instagram und Twitter können Ihnen dabei helfen, im Laufe der Zeit eine Fangemeinde aufzubauen. Es ist wichtig, mit Ihren Beiträgen konsistent zu sein. Dies erhöht Ihre Chancen, mehr Follower zu gewinnen.

Instagram, eine der beliebtesten Social-Media-Sites, ist ein Online-Foto-Sharing- und Social-Networking-Dienst, der es Benutzern ermöglicht, Fotos und Videos zu teilen. Es ist zu einer beliebten Plattform für Benutzer geworden, um ihre Erfahrungen auszutauschen, mit Freunden und Familie in Kontakt zu treten und für ihr Unternehmen zu werben. Es bietet Benutzern auch Tools zum Bearbeiten und Verbessern ihrer Fotos und Videos sowie zum Erkunden von Inhalten aus der ganzen Welt.

Twitter ist eine weitere Möglichkeit, ein breiteres Publikum zu erreichen. Twitter ist eine soziale Online-Netzwerk- und Mikroblogging-Plattform, die es Benutzern ermöglicht, Nachrichten zu posten und mit ihnen zu interagieren, die als „Tweets“ bekannt sind. Tweets können bis zu 280 Zeichen lang sein und Text, Bilder, Links und Hashtags enthalten. Benutzer können anderen Benutzern folgen, Tweets favorisieren oder „liken“ und sich mit anderen Benutzern auf der Plattform unterhalten.

3. Erstellen Sie digitale Kunstobjekte und verkaufen Sie sie auf Marktplätzen wie Creative Market und Envato.

Creative Market ist ein Online-Marktplatz für den Kauf und Verkauf digitaler Design-Assets. Creative Market bietet eine Vielzahl von Produkten wie Grafiken, Fotos, Schriftarten, WordPress-Designs und mehr, die alle von unabhängigen Designern und Entwicklern erstellt wurden. Digitale Assets haben in den letzten Jahren an Popularität gewonnen.

Die Plattform macht es Entwicklern leicht, ihre Arbeit zu präsentieren und mit Verkäufen Geld zu verdienen. Creative Market ist eine großartige Ressource, um einzigartige, hochwertige Design-Assets zu finden, die Sie verwenden können, um Projekte für sich selbst oder Kunden zu erstellen.

 

4. Nehmen Sie an Projekten für digitale Kunstwettbewerbe teil.

Haben Sie darüber nachgedacht, sich Online-Wettbewerbe für digitale Kunst anzusehen? Es gibt eine Reihe von Websites, auf denen Sie an Kunstwettbewerben teilnehmen und Ihre Arbeit zur Bewertung einreichen können. Viele von ihnen bieten fantastische Preise für die Gewinner. Einige der besten Seiten dafür sind DeviantArt, Adobe Creative Cloud und CGTrader.

5. Verkaufen Sie digitale Kunstaufträge für individuelle Stücke.

Geld mit dem Verkauf digitaler Kunst zu verdienen, kann eine großartige Möglichkeit sein, von Ihrer kreativen Arbeit zu profitieren! Am besten beginnst du damit, ein Portfolio deiner Kunst zu erstellen und es in sozialen Medien und auf anderen Websites zu bewerben. Sie können sich auch an Unternehmen wenden, um zu erfahren, ob sie am Kauf Ihrer Kunst interessiert sind. Sobald Sie ein paar Kunden gewonnen haben, können Sie einen Online-Shop einrichten, in dem die Leute Ihre Kunst kaufen können. Darüber hinaus können Sie Online-Kunstgemeinschaften beitreten und Ihre Kunst in deren Foren bewerben. Schließlich sollten Sie sich überlegen, ein Patreon-Konto zu erstellen, um Geld von Ihren Fans und Unterstützern zu verdienen. Mit einer Kombination dieser Strategien können Sie mit Ihrer digitalen Kunst Geld verdienen!

Der Verkauf von Kunstaufträgen kann eine großartige Möglichkeit sein, als Künstler Geld zu verdienen. Es ist nicht nur eine großartige Möglichkeit, Ihre Arbeit zu veröffentlichen, sondern Sie können auch Geld verdienen, während Sie das tun, was Sie lieben. Je nach Stück und Größe können Sie eine Gebühr erheben, die Ihren Bedürfnissen entspricht. Sie können auch soziale Medien wie Instagram, Twitter und Facebook nutzen, um für Ihre Arbeit zu werben und Verbindungen zu potenziellen Käufern herzustellen.

 

6. Erstellen Sie Tutorials und Unterrichtsmaterialien zu digitalen Kunstthemen und verkaufen Sie diese online.

Wenn du mit dem Unterrichten von Kunstunterricht Geld verdienen möchtest, gibt es ein paar Dinge, die du tun kannst. Zunächst können Sie sich mit dem Unterrichten an einer örtlichen Kunstschule oder einem Kunststudio befassen. Du könntest auch in Erwägung ziehen, Klassen bei dir zu Hause oder in einem gemieteten Raum zu unterrichten. Es stehen auch Online-Lehrmöglichkeiten zur Verfügung, mit denen Sie ein breiteres Publikum erreichen können. Eine weitere Option ist die Erstellung eines Kunstunterrichtskurses, der online oder in Geschäften verkauft werden kann. Schließlich könnten Sie sich mit Unterrichtsstunden in örtlichen Bibliotheken oder Gemeindezentren befassen. Unabhängig davon, für welche Option Sie sich entscheiden, stellen Sie sicher, dass Sie einen detaillierten Unterrichtsplan und eine detaillierte Preisstruktur erstellen, um sicherzustellen, dass Sie das Beste aus Ihrem Unterricht herausholen.

YouTube hat ein unglaubliches Verdienstpotential für Künstler, die Menschen das Zeichnen beibringen möchten. Mit Zeit und konsequentem Posten können Sie sich ein stetiges Geldeinkommen fürs Leben aufbauen. Seien wir ehrlich, YouTube wird wahrscheinlich nirgendwo hingehen.

Das Erstellen eines Kunst-YouTube-Kanals ist eine großartige Möglichkeit, Ihr Publikum zu vergrößern und ein breiteres Publikum zu erreichen. Hier sind einige Tipps für den Einstieg:

• Erstellen Sie Inhalte, die Sie begeistern und die Sie selbst gerne ansehen würden.

• Stellen Sie sicher, dass Sie qualitativ hochwertige Inhalte mit großartigem Audio und Bild produzieren.

• Recherchieren Sie die beliebtesten Kunstkanäle und sehen Sie, welche Inhalte sie produzieren und was bei den Zuschauern ankommt.

• Interagieren Sie mit Ihren Zuschauern und erstellen Sie eine Community, indem Sie auf Kommentare antworten und Fragen beantworten.

• Seien Sie kreativ mit Ihren Inhalten und finden Sie Wege, sich von der Masse abzuheben.

• Nutzen Sie andere Social-Media-Plattformen, um Ihren Kanal zu vermarkten und neue Zuschauer zu erreichen.

• Wenn Sie sich festgefahren oder uninspiriert fühlen, lassen Sie sich von anderen Künstlern oder Kanälen inspirieren.

7. Bieten Sie digitale Kunstdienstleistungen wie Logodesign, Fotoretusche oder Webdesign an.

Wenn Sie ein Künstler sind, der mit digitalen Kunstdiensten Geld verdienen möchte, gibt es viele Möglichkeiten, um loszulegen. Sie könnten erwägen, ein Online-Portfolio oder eine Website zu erstellen, um Ihre Kunstwerke zu präsentieren, ein Geschäft einzurichten, um digitale Kunstdrucke oder Originalkunstwerke zu verkaufen, digitale Aufträge anzubieten oder sogar digitale Kunstkurse online zu unterrichten. Darüber hinaus könnten Sie prüfen, ob Sie Online-Marktplätzen wie Etsy oder Fiverr beitreten möchten, die es Ihnen ermöglichen, Ihre Dienstleistungen zu vermarkten und zu verkaufen. Für welchen Weg Sie sich auch entscheiden, es ist wichtig sicherzustellen, dass Sie einen fairen Preis für Ihre Arbeit festlegen und die notwendigen Schritte unternehmen, um sich und Ihr Kunstwerk zu schützen.

8. Verkaufe Merchandise mit deiner Kunst, wie T-Shirts, Tassen und Handyhüllen.

Es kann ein aufregendes und lohnendes Unterfangen sein, Geld mit dem Verkauf Ihrer Kunst auf Handelsware zu verdienen. Es gibt ein paar Dinge zu beachten, bevor Sie beginnen. Zunächst sollten Sie sicherstellen, dass Sie über die richtigen Lizenzen und Berechtigungen verfügen, um Ihre Kunstwerke zu reproduzieren und zu verkaufen. Zweitens müssen Sie entscheiden, welche Art von Waren Sie verkaufen und wie Sie sie am besten bewerben und vermarkten. Schließlich müssen Sie Preis-, Versand- und Zahlungsoptionen recherchieren. Mit der richtigen Vorbereitung kannst du ein erfolgreiches Geschäft aufbauen und Geld verdienen, indem du deine Kunst als Handelsware verkaufst.

Es gibt tatsächlich ein paar verschiedene Plattformen, auf denen Sie Ihre Kunstwerke und Designs auf Produkten verkaufen können. Sie können sich Websites wie Society6, Teespring, Redbubble und Threadless ansehen, die alle großartige Orte sind, um Ihre Kunstwerke und Designs zu präsentieren und zu verkaufen. Sie können auch in Online-Shops wie Etsy, Amazon und eBay nachsehen, die großartige Plattformen bieten, um Ihre Kunstwerke und Designs auf Produkten zu verkaufen.

9. Verwenden Sie Crowdfunding-Plattformen wie Kickstarter und Patreon, um Ihre digitalen Kunstprojekte zu finanzieren.

Wenn Sie als Künstler auf Patreon Geld verdienen möchten, müssen Sie zunächst ein Konto erstellen und mit dem Aufbau Ihrer Seite beginnen. Sobald Sie eine Seite haben, sollten Sie damit beginnen, Inhalte zu produzieren, die Ihre Patrons genießen können. Dies kann alles sein, von Musik über digitale Kunst bis hin zu schriftlichen Arbeiten oder was auch immer zu Ihrem kreativen Stil passt. Sie sollten auch für Ihre Patreon-Seite werben, indem Sie sich mit Ihren bestehenden Fans und Followern in den sozialen Medien verbinden und potenzielle neue Follower erreichen. Darüber hinaus kannst du die Zusammenarbeit mit anderen Erstellern in Betracht ziehen, um die Arbeit der anderen zu fördern. Stellen Sie schließlich sicher, dass Ihre Seite so ansprechend und attraktiv wie möglich ist, da dies dazu beitragen wird, im Laufe der Zeit mehr Patrons anzuziehen.

Patreon ist eine Plattform, die es Schöpfern ermöglicht, finanzielle Unterstützung von ihren Fans zu erhalten. Es ermöglicht Künstlern, Musikern, Schriftstellern, Podcastern und anderen Schöpfern, mit ihrer Arbeit ein Einkommen zu erzielen. Fans können ihren Lieblingsschöpfern einen monatlichen Betrag zukommen lassen und dafür exklusive Inhalte erhalten. Dies hilft den Erstellern, ihren Lebensunterhalt nachhaltig zu bestreiten und weiterhin Inhalte zu erstellen, die ihre Fans lieben.

Kickstarter ist eine Finanzierungsplattform für kreative Projekte. Es ermöglicht Menschen, Geld zur Unterstützung einer Vielzahl von Projekten zu versprechen, von unabhängigen Filmen und Büchern bis hin zu Musik, Spielen und Technologie. Die Mittel werden gesammelt und wenn das Projekt sein Ziel erreicht, wird das Geld an die Projektinhaber freigegeben. Dies ist eine großartige Möglichkeit, kreative Projekte zu finanzieren und dabei zu helfen, neue und innovative Ideen zum Leben zu erwecken!

10. Lizenzieren Sie Ihr Kunstwerk an Unternehmen zur Verwendung in Werbekampagnen und Produkten.

Ein erfolgreicher Künstler zu werden und Geld zu verdienen, indem Sie Ihre Arbeit lizenzieren, ist ein erreichbares Ziel! Es gibt verschiedene Möglichkeiten, dies zu tun. Eine besteht darin, eine Galerie oder Website zu finden, die Ihre Kunstwerke präsentieren und Ihnen helfen kann, potenzielle Käufer zu finden. Sie können sich auch direkt an Unternehmen wenden und sich nach Lizenzmöglichkeiten erkundigen. Darüber hinaus können Sie nach Unternehmen suchen, die sich auf die Lizenzierung von Kunstwerken spezialisiert haben, und Ihr Portfolio einreichen. Erwägen Sie schließlich die Teilnahme an Kunstmessen und Konferenzen, um sich mit potenziellen Käufern zu vernetzen und mehr über die Branche zu erfahren. Mit harter Arbeit und Hingabe können Sie als Künstler Geld verdienen, indem Sie Ihre Arbeit lizenzieren.

Eine Möglichkeit, Ihr Kunstwerk online zu lizenzieren, besteht darin, Ihr Werk beim US Copyright Office zu registrieren. Dadurch wird sichergestellt, dass Ihr Werk rechtlich geschützt ist, und Sie können dann die Urheberrechtsregistrierungsnummer verwenden, um Ihr Kunstwerk zu überprüfen und zu authentifizieren. Darüber hinaus können Sie sich Creative Commons-Lizenzen ansehen, die kostenlos und einfach zu verwenden sind und Ihnen dabei helfen, festzulegen, wie und wo Ihre Kunstwerke verwendet werden können. Schließlich können Sie eine Lizenzvereinbarung mit einer Website oder Plattform eines Drittanbieters abschließen, die es ihnen ermöglicht, Ihre Kunstwerke gegen Lizenzgebühren zu verwenden.

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Viel Spaß beim Stöbern!

Ann Witheridge ist die Gründerin der London Fine Art Studios und unterrichtet seit über 25 Jahren das Handwerk des Malens und Zeichnens. Ann besuchte Jackson’s Studio mit ihrer Tochter Liberty, einer Künstlerin, die in die Fußstapfen ihrer Mutter tritt, um ihre Skizzenbuch-Praxis mit uns zu teilen. Finden Sie heraus, welche Art von Materialien sie verwendet und welche Ratschläge sie anderen Künstlern gibt, die sich ihrer Skizzenbuchpraxis nähern.

Ann Witheridge führt uns durch ihre Sketchbook-Praxis

Ich male hauptberuflich und unterrichte seit 25 Jahren. Ich habe immer ein Skizzenbuch dabei und liebe es, neue Skizzenbücher zu kaufen. Es ist eine wahre Freude, verschiedene Papiere auszuprobieren und ein Skizzenbuch zu kaufen, das noch bevor Sie den Bleistift zu Papier gebracht haben, eine ganze Reihe von Möglichkeiten und potenziellen Ideen für Sie bereithält. Obwohl ich immer ein Skizzenbuch bei mir habe, verwende ich es eher in meiner Atelierpraxis und als Lehrmittel.

Es gibt viele Gründe, ein Skizzenbuch zu führen und zu skizzieren. Ich denke, es ist sehr wichtig, dass Sie es aus Freude und zum Lernen tun, was eins werden wird. Ich bevorzuge es, auf getöntem Papier zu arbeiten, da wir dann von einem Mittelpunkt ausgehend Dunkelheit und Licht auftragen können. Viele Künstler arbeiten auf weißem Papier, aber ich finde es ziemlich einschüchternd, mit einer leeren Seite weißen Papiers konfrontiert zu werden. Wenn ich ein weißes Skizzenbuch habe, lege ich möglicherweise zuerst eine Aquarell- oder Kaffeewäsche hin; so sieht das papier schon einladend aus, bevor man überhaupt mit dem zeichnen begonnen hat.

Ähnlich wie das Tonen einer Leinwand mit einer bestimmten Farbe lädt Sie das Tonen des Papiers oder das Arbeiten auf verschiedenfarbigem Papier dazu ein, sich auf unterschiedliche kreative Weise zu bewegen. Es gibt Künstler, die haben eine klare Methodik und arbeiten immer gleich. Ich bin keiner dieser Künstler; Ich experimentiere gerne und fordere mich heraus, verschiedene Medien, verschiedene Papiere und verschiedene Oberflächen zu verwenden.

Ich skizziere viel mit meinen Töchtern, die jetzt junge Teenager sind, ich ermutige sie, ihre Papiere zu tönen und Stifte und Kreide mitzunehmen, wohin wir auch gehen. Sie sind so daran gewöhnt und sogar natürlicher als ich. Ich denke, Sie möchten, dass es Teil Ihrer Routine wird und Ihre Skizzen nicht als Kunstwerke sehen. Zeichne vielleicht eine Skizze neben die andere, damit du von jeder Zeichnung und Herangehensweise lernst. Auf einige meiner Skizzen verweise ich und verwende sie als Teil meiner Malpraxis. Einige mache ich nur als Kritzeleien und kehre möglicherweise für einige Zeit nicht zu ihnen zurück. Wie das Schreiben eines Tagebuchs zeichne ich nicht für die Öffentlichkeit oder zur Bestätigung, sie sind Teil meiner persönlichen Reise. Es ist erstaunlich, wie ich manchmal auf alte Skizzenbücher zurückgreife, und sie können so persönliche Dialoge, Orte und Zeiten hervorrufen, die für mich ein Stück Schrift weniger könnte.

Ich habe so viele Skizzenbücher und muss gestehen, dass ich es liebe, sie zu kaufen und zu sammeln und mir auszudenken, was ich in sie stecken werde, mehr als sie zu füllen. Ich habe auf jeden Fall eine große Vielfalt, die ich für ganz unterschiedliche Projekte verwende. Meine Studio-Skizzenbücher sind viel größer und ich benutze sie als Vorstudien vor dem Malen. Meine Skizzenbücher im Freien (Landschaft) sind viel kleiner. Ich benutze sie, um Kompositionen auszuarbeiten und mich in den Rhythmus zu bringen, bevor ich mit dem Malen beginne.

Im Atelier habe ich sehr große, oft mit getöntem Papier, das sind eher Projekte. Ich mag Strathmore-Papier, vor allem, weil es eine große Auswahl an Papieren und Gewichten gibt. Auch die Papiere sind in verschiedenen Farben erhältlich; Grau-, Braun- und Pastellfarben. Wenn wir dieselbe Marke verwenden, gewöhnen wir uns an das Gefühl des Papiers, können aber die Farbe ändern. Es ist mir sehr wichtig, Ihre Papiere zu kennen, da sich alle Papiere anders anfühlen. Sie brauchen beim Skizzieren eine gewisse Gewandtheit, und wenn Sie auch mit Papieren kämpfen und sich an neue Oberflächen anpassen müssen, kann dies den Prozess beeinträchtigen. Wenn ich im Freien oder in Museen zeichne, benutze ich oft nur Bleistifte und bin daher weniger wählerisch in Bezug auf die Oberfläche, aber die Optik des Skizzenbuchs wird mir wichtig. Ich liebe es, ein exquisites kleines Skizzenbuch in der Hand zu halten, da es mich im Trubel des Lebens in die richtige Stimmung versetzt.

Ich arbeite gerne mit verschiedenen Materialien. Ich bin kein Künstler mit einer strengen Methodik, obwohl ich immer nach dem Leben arbeite. Mit meinen Materialien bin ich lieber experimentell. Wenn ich unterwegs skizziere, sind meine Materialien einfacher, ich verwende Graphitstifte so weich wie ich finden kann und vielleicht bringe ich etwas Kreide oder Rötel mit. Im Atelier habe ich eine viel breitere Palette an Materialien. Ich verwende Pastelle, Kohle, ich experimentiere damit, das Papier mit Tinten, Aquarellfarben und sogar mit Kaseinpulver zu tonen, um einen grobkörnigen Aufbau zu erzielen.

Wenn ich das Papier getönt habe, bevor ich mit dem Malen beginne, regt es mich dazu an, in einem freieren, kreativeren Prozess zu arbeiten. Wenn ich auf ein weißes Blatt Papier schaue, kann ich mich ein wenig uninspiriert fühlen. Ähnlich wie beim Tonen einer Leinwand, bevor Sie mit dem Malen beginnen, können die Farbe und die Oberfläche, auf der Sie beginnen, Ihren kreativen Prozess in eine andere Richtung lenken, die Sie nicht erwartet hatten.

Ich beziehe mich ziemlich oft auf mein Skizzenbuch, aber ich habe keine Routine, wann ich mein Skizzenbuch benutze. Ich bin definitiv sporadisch. Ich habe ein Skizzenbuch die ganze Zeit in meiner Tasche bei mir, aber ich habe es nicht zu einem Teil meiner täglichen Praxis gemacht. Oft ist ein Teil meines Neujahrsvorsatzes, mit meinem Skizzenbuch routinemäßiger umzugehen, aber wie die meisten von uns bin ich im Februar vom Kurs abgekommen.

Bei meinen Landschaftsskizzenbüchern dienen die Skizzen definitiv als Sprungbrett in Richtung Malerei, um mögliche kompositorische Fehler und Ideen auszudenken und auszumerzen.

Ich denke, wenn Sie mit dem Zeichnen und Malen beginnen, sollten Sie viele Skizzenbücher verwenden und viele Zeichnungen auf derselben Seite zeichnen. Verwenden Sie Ihr Skizzenbuch zum Üben von Markierungen, Designs und Gedanken. Ihr Skizzenbuch ist eine persönliche Reise und nicht für die öffentliche Präsentation, verwenden Sie es zum Experimentieren und Spielen mit Ideen. Es ist am besten, mehr als eine Zeichnung auf einer Seite zu machen, da jede Zeichnung die andere informiert. Außerdem ist das Erstellen einer Seite mit Zeichnungen so gut, um Ihnen etwas über Design und das Zusammenwirken von Kompositionen beizubringen.

Jeder Aspekt Ihres Skizzenbuchs ist wichtig. Wenn Sie Künstler sind, dann mögen Sie die visuelle Welt und sind ein Ästhet. Denken Sie also darüber nach, an welcher Art von Skizzenbuch Sie arbeiten möchten. Ich beginne mein Skizzenbuch oft von hinten, da ich annehme, dass ich besser und nicht schlechter werde, wenn ich Fortschritte mache. Wie bei einem Rundgang durch eine Ausstellung folge ich nie der von den Kuratoren vorgegebenen Route, die normalerweise chronologisch ist. Ich beginne gerne im letzten Raum, der oft leerer ist, und sehe die Arbeit der Künstlerin von ihren reifen Arbeiten bis zu ihren Anfängen.

Materialien

Bleistifte 2B & 6B
Unison Color weiche Pastelle
Cretacolour Conte Hartpastelle
Blutrot
Nitram Fine Art Zeichenkohle
Rebholzkohle
Kreide
Derwent Pastellstifte
Strathmore-Papier
Bristol-Vorstand
Ingres-Papier

Über Ann Witheridge

Ann Witheridge unterrichtet seit über zwanzig Jahren Malerei. Sie studierte Kunstgeschichte am Christ’s College Cambridge, bevor sie nach Italien zog, um Vollzeit Kunst zu studieren. 2004 kehrte sie nach London zurück und gründete ihre eigene Kunstschule Londoner Kunststudios. Sie hat Artikel für viele Kunstzeitschriften geschrieben und Malvorführungen und Workshops in Museen in ganz London gegeben, darunter in der National Portrait Gallery, der Dulwich Picture Gallery und dem Leighton House Museum. Sie wurde auch ins Ausland eingeladen, um Workshops in Paris, Addis Abeba und Charleston, South Carolina, zu geben. Sie liebt das Unterrichten und Malen gleichermaßen.

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Weiterführende Lektüre

Die Beziehung zwischen dem Künstler und seinen Materialien

Die Grammatik der Malerei: Ann Witheridge von den London Fine Art Studios

Bill Murphy über das Kombinieren von Materialien zur Wiederbelebung seiner Zeichenpraxis

Im Skizzenbuch von Mark Chen

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